~ 走进中国写意画~

用简练的笔墨描绘事物即是中国写意画。写意作品通常使用生宣纸作为载体予以呈现，纵笔挥洒，墨彩飞扬，写意画较工笔画在表现力上更能体现所描绘景物的神韵，写意画的一个重要特点就是作者可以借助画面抒发情感。

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《忠孝图》清代 李鳝

写意画在中国五千年的民族美术史上留下了璀灿的一页。中国历代文人墨客都极力推崇写意画的艺术形式，并不断进行大胆实践，“写意”不但成为中国画的一种创作风格，而且成为了中国画中的一种艺术观念。艺术的发展、创造需要遵循艺术发展规律，即写意画就是以中国传统文化中的精髓和灵魂——中国书法为支点的。

《花蝶草虫十开》明代杜大成

写意画的艺术形式融诗、书画、印为一体。特别要提到扬州八怪之一的李鱓，他创作写意画的时候尤为喜欢在画上作题跋，长长短短，错落有致，使画面更加充实，也使气韵更加酣畅。葛金在《爱日吟庐书画录》中写道：“画不足而题足之，画无声而诗声之，互相为用”，既反映了李鱓绘画的实际，也体现了写意画的基本特点。近代吴昌硕、齐白石也是兼此四绝的艺术大家。画写意画最重要的是要追求神似，古代著名画家董其昌有论：“画山水唯写意水墨最妙。何也？形质毕肖，则无气韵；彩色异具，则无笔法。”明代徐渭题画时也谈到：“不求形似求生韵，根据皆吾五指裁。”

《写生珍禽图》五代黄荃

写意画的发展

写意画在长期的艺术实践中逐步形成，古时文人墨客参与绘画，对写意画的形成和发展起了推动作用。如唐代王维诗、画俱佳，被后人称其画为“画中有诗，诗中有画”，他“一变勾斫之法”，创造了“水墨淡，笔意清润”的破墨山水。董其昌尊称他为“文人画”之祖。五代时期的徐熙先用墨色写花的枝叶蕊萼，然后略施淡彩，开创了徐体“落墨法”；然后有了宋代文同兴的“四君子”画风，明代的林良开创了“院体”写意新格，明代沈周善用浓墨浅色，陈白阳重写实的水墨淡彩，徐青藤更是奇肆狂放求生韵。经过许多文人的艺术实践，写意画逐步进入了全盛时期。近代八大山人、石涛、吴昌硕、齐白石更是将写意画发扬光大，写意画现在已成为中国画中影响最大、流传最广的画法。

《花鸟卷》局部清代杨晋

写意画的特点

以形写神、以神写意

从古到今，中国画中都以“形”为主题而进行不断的实践创作。在绘画的起萌阶段，绘画者由于造型能力较差，所绘制的形是简单而笨拙的，似是而非，可以说是“以意表形”。随着不断实践练习，积累绘画经验，形的表现大大提高，进入了“以形写形”的阶段。随着时代的发展，精神文化层次的提高，画家们开始觉得形似不能满足艺术需要，逐渐认识到了“神似”的重要性。于是画家们开始追求在造型上表现出对象的内在本质、精神面貌和性格特征，这样才算真正达到绘画的目的。

《潇湘竹石图》宋代苏轼

骨法用笔、以书入画

谢赫所创立的谢赫六法中，“骨法用笔”是第二位，与“气韵生动”是六法中最重要的两个概念。“骨法”就是指所描绘物体的形神结构，而“用笔”则是指绘画中的用笔方法、用笔技巧和艺术表现。唐代张彦远在《论画六法》中提出“骨气形似皆本立意而归乎用笔”，此文体现了“骨气用笔”的内涵十分丰富，绘画不但要表现出对象的基本结构和神韵，还要体现出画家的主观感情和艺术创造。在写意画中，笔墨通常具有独立的审美价值，意指特殊的用笔方法所产生的形式美，也称为笔墨情趣。

《墨梅图》元代王冕

追求意境、缘物寄情

中国的写意画，自元代尚意以来就以追求意境美为首位，画家的文学修养与画面层次息息相关，于是就有了“诗中有画，画中有诗”的格局，它不仅成为中国写意画雅俗、优劣和文野之分，而且成为衡量画家艺术修养高低的重要标准。

《墨竹图》清代

意境的体现，不但源自于画家对表现事物的深入研究，而且画家主体情思的积极活动也尤为重要。触景生情须外师造化，在画家审美心理因素的驱动下，发挥“中得心源”的创作过程，达到借景抒情的目的。作为评鉴写意画的标准，首先注重人品，中国自古就有知人论画的传统，所谓“人品不高，落笔无法”，“人品即画品”，画家的人格修养、情操品位是画面内涵的主导，意境的层次体现也是画者人品高低的真实写照。王冕画梅：“不要人夸颜色好，只留清气满乾坤”。借梅之高洁标榜自身之品格修养。郑板桥画竹：“衙斋卧听萧萧竹，疑是民间疾苦声。”齐白石的作品“蛙声十里出山泉”,没有画青蛙，只画了几只蝌蚪，但十里蛙声如在耳边响起。这些著名的作品如果没有人文内涵的体现，格调也不会如此高雅。

《松石宣花图》明代陈淳